日本のテキスタイル

藍染めの和布

テキスタイルは長い間日本の生活において重要な役割を果たしてきました。日本の織工と染色業者は、絹、麻、ラミー、綿、その他の繊維、さまざまな織り方と装飾処理を使用して、独特のデザインと卓越した美的価値のある織物を製造しました。これらのテキスタイルは、さまざまな用途に使用されました。寺院で使用するために作成されたバナー、吊り下げ、およびその他の材料用。劇場衣装用;クッションカバー、カーテン、その他の家庭用。他の多くの日本の芸術と同様に、日本のテキスタイルは歴史的に、外部の影響と固有の技術とデザインの選択の相互作用、および技術と美学の両方を高度に洗練する傾向を通じて発展してきました。

歴史的概要

日本の元々の住民（縄文文化の人々）は、植物繊維の布を織っていました。北東アジア本土からの侵略者は、西暦前300年頃から日本に弥生文化を確立し、より洗練された素材（ラミーやシルクなど）と技術を導入しました。しかし、認識できるように日本の織物文化は、貴族の氏族と出現した君主制が上質な織物、特に絹の需要を大幅に増加させた大和時代（西暦300年から710年頃）に始まったと言えます。 6世紀半ばに仏教が導入されたことで、教会で使用される上質な織物の需要が高まりました。これらの織物のいくつかはアジア本土から輸入されましたが、日本で生産される量は増加しています。韓国と中国の織工、染色業者、その他の繊維労働者は、法廷の後援の下で日本に定住することが奨励されました。テキスタイルの生産は国によって後援され、規制され、最高のテキスタイルは帝国の工房で生産されました。平織りと綾織りの両方の絹織物は、しばしば無地または刻印されたワックス防染によって生成されたパターンで染色されました。ブロケードは、貴族と寺院の両方で使用するために製造されました。他のテクニックには、アップリケ、刺繡、編み込みが含まれていました。

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奈良時代（710-785）の仏教寺院の数、富、権力の爆発的な増加は、織物芸術の激化した発展と、大規模な本土の織物の輸入につながりました。その後の平安時代（795-1185）は、一部は帝国の工房で、一部は私的な工房で、国内生産にさらに重点が置かれました。この時期には、ブロケードと刺繡の重要性が継続し、ワックスまたはペーストレジスト法またはさまざまな成形レジスト染色技術のいずれによって行われるかにかかわらず、パターン染色の根拠としてパターン織布の使用が増加しました。衣服の複数の層での色の調和のとれた使用は、この時代のドレスの主要な美的原則の1つであったため、染色方法を拡張して完璧にするために多大な努力が払われました。

鎌倉（1185-1233）と室町（1338-1477）の時代には、武士（戦士）階級の後援の下で軍事政権が確立されました。この時期に再び国際貿易が増加し、日本に豊富な新素材、技法、デザインモチーフがもたらされました。綿はこの時に導入され、庶民が使用する織物での麻繊維の使用に大きく取って代わった。室町時代の軍貴族の後援による能楽堂の発展は、豪華で見事に美しい衣装への需要に伴い、織物の生産と革新を刺激しました。マルチハーネス織機と改良されたドロールームの導入により、ダマスクやサテンなどの複雑なシルク生地の生産が増加しました。これらは、パターン染色（ダマスク）や刺繡（サテン）の背景生地としてよく使用されていました。

1世紀以上の内戦（1477-1601）の後、徳川幕府（1601-1868）の設立は、日本に新たな平和と繁栄の時代をもたらしました。 16世紀までに kosode 和服の基本着として定着していた。都市の急速な成長と裕福な都市人口の増加により、これとそれに続く着物の形がテキスタイルアートの焦点となりました。奢侈が錦織やその他の複雑な織物を身に着けないように設計された奢侈法は、単に織工や染色業者を刺激して、法の規定の範囲内にとどまる並外れた美しさと多様性の表面装飾布を生産しました。精巧で豪華なサッシの需要が高まるにつれ、時には大きな価値のある贈り物を命じることができる遊女が住む都会の娯楽地区の成長は、錦織とタペストリー織りの産業を刺激しました（ 帯 ）女性が着物を着る。一方、田舎では、農民は綿織物を織り、染色するための独自の技術を確立または維持していました。

1868年の軍政廃止と帝国統治の回復は、日本における急速な近代化の時期をもたらしました。 19世紀後半には、男性と女性の両方の洋服に大きな流行がありました。しかし、20世紀初頭には、多くの女性が着物を着ることに戻りました。第二次世界大戦後、着物の着用は再び減少し、1960年代までにほぼ完全に祭りや特別な日のドレス、またはホスピタリティ業界の女性のための職業用ドレスに制限されました。伝統的なテキスタイルアートは、日本が経済発展と近代化への初期段階としてテキスタイルの工業生産に目を向けた19世紀後半までにすでに長い衰退期に入っていました。手織りと手染めの綿布の農民の生産に深く切り込まれた安価な機械製の生地。古いテキスタイルの伝統を維持または復活させるための意識的な努力により、多くの技術が完全に失われることはありませんでしたが、日本でのテキスタイルの手作業による生産は、現在、ほぼ完全にアートとクラフトの世界に属しています。

織物

日本の織物で最も一般的に見られる織り方は、使用する繊維に関係なく、平織り（タビー）ツイル織りのサテン織り、ダマスクなどの模様の織り、そして錦織です。

主要な装飾要素が織りや刺繡ではなく、バッチ染色または防染である着物での使用を目的とした絹織物は、通常、平織りまたはダマスク織りで作られています。色付きのダマスク（ donsu ）対照的な色の染色された絹の縦糸と横糸を使用することは、それ以上の染色や装飾なしで使用されました。色付きのダマスク織は、巻物の布を取り付けるなどの装飾目的や、茶道で使用される布に特に好まれました。フローティング横糸またはフローティング縦糸のサテン（ shusu ）主な装飾要素が刺繡によって適用される絹の衣服の生地によく使用されます。パターンツイル（ あや ）とツイストワープガーゼ（ でる ）は、多くの場合、軽量で半透明の生地で、奈良時代から衣服に使用されており、後の時代には、幅の広いゆったりしたズボンに特に好まれました（ 袴 ）と硬いジャケット（ kamishimo ）武士がフォーマルな機会に着用します。ツイルは、色とりどりの錦織のようなドロールーム織りの生地の地織りとしてもよく使用されます。 nishiki.

古くは仏教の教会論の衣服や寺院の装飾に、さまざまな種類の錦織やタペストリー織りが使用されていました。衣服の生地として、それらは特に帯サッシで使用されます。帯サッシは、非常に精巧で装飾的な方法で結ばれ、それらが作られている豪華なテキスタイルを効果的に表示します。帯と着物は、特に能楽劇の衣装としてよく作られています。 kara-ori （「中国織り」、つまり横糸フロートブロケード）、ボビンの補助横糸が無地または綾織りの背景生地の上に手で浮織りされた、硬くて重い生地。爪のタペストリー（ tsuzure ）は、その名前が示すように、ボビン織りのタペストリーであり、非常に複雑なパターンを作り出すことができ、帯によく使用されます。

平織りは、綿織物の最も一般的な織り方です。徳川時代には、藍色やその他の植物染料の色の縞模様や格子縞の田舎の、または偽物の素朴な綿織物が、非公式の着物として非常に人気がありました。このような生地は、スリーピングマットのカバーや座布団などの家庭用装飾にも使用されていました。以下に説明するように、無地の白い綿の平織りの織物が、さまざまな染色技術の地盤として使用されました。

染色

日本のテキスタイルの特徴的な美しさの多くは、ペーストレジスト、シェイプレジスト、イカットなどの高度に開発された染色技術の使用と、これらの方法の2つ以上を組み合わせて使用​​する複合技術にあります。

古日本ではワックス防染（バティック）が知られていましたが、平安時代の終わりまでに廃止され、ワックスの代わりに米粉の濃厚なペーストを使用するペースト防染法が採用されました。ペーストレジスト法には、ステンシル染色とフリーハンド染色が含まれます。

ステンシル染色（ katazome ）桑の樹皮紙で作られたステンシルを採用し、柿ジュースで何層にもラミネートし、喫煙によって強化および防水します。特殊なナイフを使用して、これらのステンシルにパターンをカットします。ペーストはステンシルの透かし彫りを通して布に押し付けられ、布が染浴に浸されたときに染料の摂取に抵抗します。染めた後、布からペーストを洗い流します。単純なステンシル染色は、民芸品の藍染めの綿織物に最も一般的に見られ、家庭用家具や衣類に使用されます。ペーストレジスト染色された藍と白の綿布の最も一般的な現代的な用途は、 yukata 、特に温泉地で寝間着やカジュアルなストリートウェアとして使用される綿の着物。ステンシル染色は、多色の結果を生成するために2つ以上の段階で行うこともできます。

フリーハンドのペースト防染（ tsutsugaki ）防水ペーパーコーンを使用して、布にペーストを塗布します。この技法は、店のカーテンに見られるような大きくて大胆なパターンを作成するためによく使用されます（ のれん ）およびパッケージを運ぶ布（ furoshiki ）。

成形防染技術は一般的にとして知られています shibori 日本語で;この言葉は一般的に「絞り染め」と訳されていますが、それは関連する非常に幅広い技術を伝えていません shibori 染色。 Shibori タイトギャザーで布の一部を縫うことによって作成されたレジストが含まれています。または布をひねることによって、しばしば複雑な方法で;または、布を折りたたんで、ボード間または木製または紙のチューブで圧縮します。および同様の手法。いずれの場合も、布全体を染浴に入れたときに染料の影響を受けないように、布の一部を圧縮することが目的です。専門家はプロセスを高度に制御できますが、 shibori 染色には常に事故や不確実性の要素が含まれているため、美的魅力が増します。の未染色エリア shibori テキスタイルは、ブラシや刺繡を使用して染料を手で塗ったり、ペーストを使用して金や銀のホイルを布に塗ったりするなど、さまざまな方法で装飾できます。

として知られているイカット 絣 日本語では、縦糸、横糸、またはその両方を事前に決められたパターンで糸に束ねて染色する技法です。次に、糸は適切な順序で縦糸に組み立てられ、および/または横糸として織られ、織りが進むにつれてパターンが現れます。かすり織物は、さまざまな色の絹で作られています。ラミーで;綿で、通常は藍染め。沖縄ではバナナ繊維で、しばしば糸の連続的な巻き付けと染色によっていくつかの色が生成されます。

Yuzen 1700年頃に発明された、おそらく日本の染色技術の中で最も有名です。これは、フリーハンドまたはステンシルペーストレジスト作業と染料の手作業による塗布の組み合わせによって製造されます。布（絹または綿）をフレームに伸ばした状態で、非永続的な青い植物染料を使用して細いブラシでパターンを適用し、次にペーストでフリーハンドで覆います。または、ペーストをステンシルで直接塗布します。次に、薄い大豆抽出物を布全体に塗ります。次に布を水で湿らせ、ブラシを使って手で染料を塗ります。染料が湿った布の上に広がり、の特徴的な色合いの効果を生み出します yuzen. Yuzen 驚くほどの繊細さと複雑さの色彩効果を実現することができ、すべての着物生地の中で最も上質で最も貴重なものを生産するために使用されます。

沖縄の芸術 bingata ステンシル染色は、バティックのペースト耐性バージョンと考えることができます。それは、ステンシルを塗布したペーストと染色（バット染色または染料の手作業による）の複数のステップを使用し、染色された領域は、後続の作業段階でペーストレジストで覆われます。 Bingata 通常、明るい色で、鳥、花、風景をモチーフにした絵で作られています。

刺繍

錦織やタペストリー織りのように、刺繡は仏教に関連して古くから日本に伝わり、寺院で使用するための絵の吊るしを作るためによく使われていました。日本の刺繡は、フレンチノット、チェーンステッチ、サテンステッチ、カウチサテンステッチなど、かなり小さなレパートリーのステッチを使用しています。衣服、特に着物では、刺繡は、バット染めの平織りの絹織物、絹のサテン、およびさまざまな染色技術で装飾された織物の装飾として適用されます。 shibori そして katazome 。

装飾的なステッチ

日本の農家の女性は、ジャケット、エプロン、その他の保護服に使用するために、着用した綿織物を重ねて縫い合わせることにより、再利用のために回収する技術を開発しました。キルティングに似たテクニックは、 sashiko 、そして布を使用する実用的な方法から装飾的なステッチのユニークな工芸品に開発されました。 Sashiko ほとんどの場合、藍染めの綿布に白い綿糸を使用して行われます。ステッチは、縦糸、横糸、またはその両方と平行に走ることができます。パターンは通常幾何学的であり、しばしば手の込んだレースです。

アイヌテキスタイル

アイヌは、日本の最北端の本島である北海道の先住民です。彼らの先祖は弥生人が到着する前の日本の最初の居住者の一人でした。アイヌの文化は、日本の文化よりもサハリン島やシベリア北東部の他の地域の文化に近いです。アイヌは、アップリケや刺繡で飾られたジャケットやその他の衣類を大胆で曲線的なデザインで、しばしば暗い背景に明るい色で作るという古い技術を保存することで知られています。

現代日本のテキスタイル

現代日本の織物の状況は、4つのカテゴリーで考えることができます。 商業用テキスタイル 日本では衰退している産業です。繊維、特にレーヨンやポリエステルなどの人工繊維の生産は、戦後の日本の景気回復に重要な役割を果たしましたが、生産が人件費の安い国に移ったため、ここ数十年で減少しています。一部の絹は、国の多額の助成を受けた農業部門によって日本で生産されています。

伝統的なテキスタイル 繁栄し続けます。日本政府は、通称「人間国宝」として知られる「重要な無形文化財の保有者」への助成金を通じて、伝統工芸品の保存を奨励しています。彼らの芸術のこれらのマスタープラクティショナーは、他の何千人ものフルタイムのクラフトワーカーにリーダーシップを提供します。いつでも約100の人間国宝のうち、約3分の1がテキスタイルアートの分野にあります。注目すべき例としては、錦織の北川兵王寺、後期型紙のペースト耐性染色機の芹沢霞介、 yuzen dyer Yamada Mitsugi.

ファッションテキスタイル 日本の国際的に有名なファッションデザイナーの何人か、特にチューブニットジャージなどの素材の革新的な使用が日本の高級繊維産業を支えてきた三宅一生から多大な支持を受けています。

アートテキスタイル 、またはより広くファイバーアートは、日本の現代アートシーンの盛んな分野であり、「Structure andSurface」（ニューヨーク、1999）や「Through the Surface」（ロンドン、2004）などの展示会を通じて国際的に認知されています。テクノテキスタイルの革新的な使用で知られる新井淳一をはじめ、多くの個々の繊維アーティストが国際的な評判を獲得しています。彫刻的な織物で知られる須藤玲子。そして、伝統的な染色技術を使って現代のテキスタイルアートを制作している富田淳。

も参照してください 染色;刺繡;イカット;着物;浴衣。

参考文献

デュセンベリー、メアリー。 「テキスタイル。」に The Kodansha Encyclopedia of Japan. 9 vols. Tokyo: Kodansha International, 1983.

マッカーシー、カラ、マチルダマクエイド。 構造と表面：現代の日本のテキスタイル。 ニューヨーク：近代美術館、1999年。

ヤン、サニー、ロシェルナラシン。 日本のテキスタイルアート。 Tokyo: Shufunotomo, 2000.