劇場衣装

西部戦線の伝統は、ワインと歓喜の神であるディオニュソスを称えて、紀元前6世紀に行われたギリシャの祝賀会にその基盤があります。劇作家テスピスがコーラスリーダーに反応する俳優を紹介した西暦前535年に、歓喜（ダンス、歌、合唱の反応）は話し言葉のドラマに発展しました。その結果が対話でした。

別の劇作家、アイスキュロス（西暦前525年から456年）は、ギリシャ悲劇の伝統的な衣装となったものを確立したとされています。それは、長袖の柄物のチュニック、即座に文字を認識するための様式化されたマスク、そしてコルツナエと呼ばれる靴底の高い靴で構成されていました。これらの衣服はすべて、劇場での使用のみを目的としていました。日常着で主人公を演じることはできません。

ギリシャ喜劇の俳優も、どのキャラクターを描いたかを示すためにマスクを着用していました。さらに、彼らはしばしば誇張された体の部分、パッドを入れられた底または胃、そしてコミック効果を高めるために特大の男根を追加しました。一般市民が着用するような短いチュニックは、コメディにふさわしいと考えられていました。

ローマ人は独自のひねりを加えましたが、ギリシャ人によって確立された衣装の慣習は、西洋の劇場が事実上800年間姿を消したローマ帝国の崩壊まで、本質的に同じままでした。

中世とルネッサンス

劇場が復活したとき、皮肉なことに、教会の文脈でそれは復活しました。キリスト教の教会は、ドラマの宣誓の敵でした（それが謙虚であり、悪魔崇拝に似ていると認識していました）。しかし、礼拝はラテン語で行われ、教区民はますます少なくなっているため、司祭は典礼を脚色する方法を考案しなければなりませんでした。

• ブロードウェイコスチューム
• 衣装デザイナー
• シアターメイクの歴史

西暦5世紀以降、神秘劇、聖典の劇的な出来事、聖人の生活を描いた奇跡劇が、教会内と教会の敷地の両方でますます行われるようになりました。彼らがより精巧になるにつれて、彼らはマーケット広場に移動しました。

初期の宗教劇で着用された衣装は教会論的な衣服でした。聖職者に加えて町民が関与することが多い台本がより世俗的になるにつれて、信徒のパフォーマーは教会が所有していない衣装の一部に対して責任を負いました。現代の宗教芸術は、ダニエル、ヘロデ、聖母マリア、さまざまな悪魔などのキャラクターにインスピレーションを与えました。

風景と衣装の両方の制作要素がテキストよりもさらに重要になるようになったのはルネサンス時代でした。ヨーロッパ中、貴族はゲストを楽しませるために豪華な宮廷仮面劇とページェントを上演しました。衣装には、神々、動物、神話上の生き物、そして希望や喜びなどの感情が描かれています。これらの祝祭のデザイナーには、レオナルドダヴィンチとイニゴージョーンズが含まれていました。

コメディアデラルテ

人気のストリートコメディの一種であるCommediadell'arteは、16世紀にイタリアで登場しました。巡回俳優のグループは、イタリアとヨーロッパ全体で主に即興の演劇を発表しました。

ギリシャ喜劇（コメディアがリンクしていると考えられている）のように、コメディア俳優は、マスクと伝統的な衣装で識別できるストックキャラクターを描写しました。典型的なよそよそしい老人であるパンタロンは、今では彼の名前が付けられた幅広のズボンを着ていることがよくありました。狡猾な使用人ブリゲッラは、19世紀の英国の色彩の前身である水平の緑色の縞模様のコートを持っていました。他の漫画のキャラクターには、アルレッキーノ、またはハーレクイン、常に黒い服を着た衒学者のイル・ドットーレ、そして臆病なスペイン人のイル・カピターノが含まれます。コメディアの真面目なキャラクター、2組の恋人と1人の使用人の女の子は、現代的な服を着ていました。

ウィリアムシェイクスピア、ジャンバプティストモリエール、ジャンアントワーヌヴァトーの作品はすべて、この重要な人気のある芸術形態の影響の証拠を示しています。

16世紀から18世紀

シェイクスピアの戯曲の衣装は、観客が標準的な大会として受け入れたさまざまな時代の混合物でした。ほとんどの部分は、俳優（すべて男性）が所有するか、劇場の常連客によって提供された現代的なドレスで行われました。場合によっては、ヘルメットや胸当てが兵士を示していることがあります。妖精やニンフは古典的な飾り布を着ているかもしれません。

同じ原則が17世紀と18世紀の衣装にも当てはまります。ほとんどの俳優、特に女優は可能な限りファッショナブルな服を着ています。ターバンは東洋のキャラクターを示していました。羽毛のあるヘルメットは兵士を意味しました。劇場が提供する特別なアイテムを除いて、パフォーマーは自分のワードローブを提供しました。

19世紀と20世紀初頭

ヘンリー8世としてのウィリアム・テリス。 1895年

1770年代から1870年代にかけて、衣装デザインの歴史的な正確さへの動きが見られました。旅行が比較的簡単になるにつれて、書面と視覚の両方のレポートが、他の文化に関する人々の知識を増やしました。 1851年にロンドンで開催された水晶宮展などの国際展示会は、エキゾチックな場所の物質文化を一般に公開しました。彼らは自分たちが見たり読んだりしたものがステージに反映されることを望んでいました。

ザクセンマイニンゲンのドイツ公国で、ゲオルク2世公は、マイニンゲンと呼ばれる彼自身の劇団を設立しました。デュークは、利用可能なすべてのリソースを使用して、俳優のための本格的な衣装を作成しました。

マイニンガーは大陸を広くツアーし、その作品のスタイルは、パリのテアトルリブレやロシアのモスクワアートシアターなど、19世紀のリアリズムの要塞に大きな影響を与えました。米国では、インプレサリオのデービッドベラスコの作品は、この新しい現実的なスタイルに対する彼の賞賛を反映しています。

避けられない反発が続いた。ロシアでは、一例を挙げると、構成主義の芸術家は、衣服との唯一の関係が人間が着用することである、非常に概念的な衣装をデザインしました。

最終的には両方のスタイルが有効であると認識され、21世紀に続く歴史的に正確なまたはコンセプト主導の作品の混合につながりました。

現在の習慣

演劇の衣装は、脚本をサポートするように設計されています。写実主義または歴史主義がテキストの中心である場合、衣装は時代または環境に適した衣服を正確に反映します。例としては、ヘンリックイプセンの マスタービルダー 、1890年代初頭の服、またはデヴィッドストーリーの服が必要です 更衣室 、イングランド北部のラグビー選手のグループに適したユニフォームとストリートウェアが必要です。

他のスクリプトには、より空想的なアプローチが必要です。シェイクスピアの テンペスト 島に設定する必要がありますが、その島は世界中のどこにあってもかまいません。プロスペロとミランダは、ディレクターとデザインチームが合意した期間に住むことができます。

ファッショナブルなドレスに対するコスチュームの影響

映画の衣装はしばしばファッショナブルな服に影響を与えますが、劇場の衣装はほとんど影響を与えません。映画は、リリースの最初の週に全国の何百万人もの人々に見られます。対照的に、平均的なブロードウェイ劇場は、同じ1週間で8000人しか収容できません。

また、撮影終了から公開までは通常1年以上の間隔があります。この間、ファッション雑誌やその他の定期刊行物は、コスチュームを紹介するスプレッドを実行して、顧客の需要を生み出すことができます。歴史的に、映画スタジオ、メーカー、デパート、洋裁パターン会社は、映画と、映画がインスピレーションを得た既製（または縫製）の両方の衣服を宣伝するためにパートナーシップを結びました。

古典的な例は、同じ名前の1932年の映画でジョーンクロフォードが着用した「令嬢殺人事件」のドレスです。エイドリアンのデザインの50万部以上が、映画が公開されるとすぐにすべての価格帯で販売されたと言われています。 1967年、セオドラ・フォン・ランクルのコスチューム ボニーとクライド 1960年代後半に非常に人気があった1930年代のリバイバルスタイルのトレンドを引き起こしました。ダイアン・キートンのルース・モーリーのコスチュームが制作 アニーホール 1970年代後半の米国とヨーロッパ全体のそっくりさん。

演劇用の服とストリートウェアの関係がほとんどないもう1つの理由は、規模です。コスチュームは、30フィートまたは40フィートの距離から見えるように設計されています。詳細は、表示できるように誇張されています。対照的に、映画は主にクローズアップに関するものです。映画の衣装は、成功した劇場の衣装では不可能な方法で「本物」でなければなりません。

いくつかの例外がありますが、それらはまれです。 1969年にブロードウェイで制作されたニールサイモンのパトリシアジップロッドがデザインした赤いスーツ プラザスイート その後、バーグドルフグッドマンのために製造されました。 2002年、ブルームイングデールは、ウィリアムアイビーロングのミュージカルデザインに基づいたプラスサイズの服のコレクションを発表しました。 ヘアスプレー。

劇場イベントの観客は、映画に参加する人の数に比べて非常に少ないため、劇場をデザインソースとして使用することは経済的にほとんど意味がありません。舞台の現代的な服装はファッショナブルなドレスを反映しているかもしれませんが、それはそれに影響を与えません。

特別な要件

ダンスシューズには柔軟性が必要

何よりも、演劇の衣装は動きのために設計されています。アームホールは大量生産された衣服よりも高くカットされているため、俳優は衣服全体を追うことなく腕を上げることができます。縫い目を分割せずにキックできるように、股間は高くカットされています。

コスチュームは、週に8回の着用に数か月、場合によっては数年も耐えられる強度を備え、クリーニングや洗濯を頻繁に行わないように構成する必要があります。スクリプトが「迅速な変更」を要求する場合、つまりパフォーマーが1分以内に完全な着替えを行う場合、着ぐるみは着替えを容易にするように作成されます。たとえば、シャツをすばやく着替えるには、ボタンホールの上にボタンを縫い付けます。シャツはスナップまたはフックアンドループテープで閉じて保持されているため、文字通りパフォーマーからはぎ取ることができます。

ダンサーの靴は、ダンサーが足を曲げて指さすことができるように、足の裏を十分に薄くする必要があります。カスタムメイドの場合、エルクスキンが最適な素材です。

トレンドと開発

演劇の衣装は、天然繊維（綿、麻、絹、羊毛）に大きく依存しています。合成繊維は、天然繊維のように処理したり、ドレープしたりしません。とはいえ、新素材の開発は業界に多大な影響を与えてきました。

たとえば、1950年代後半以前は、ダンサーのタイツは伸縮性のある綿で作られ、たるみやバッグに付けられていました。ライクラ、スパンデックス、その他の双方向ストレッチ生地の発明により、このような問題は解消されました。編組ナイロンの馬の毛は、でんぷんのリネンのオリジナルをシミュレートするが、洗濯しても形を保つラフを作るために使用できます。

コスチューム専用のテキスタイルを製造している企業はありません。市場は小さすぎます。しかし、コスチュームは、他の目的のために設計された製品の劇場での使用を発見するのに非常に創造的です。たとえば、熱可塑性シートの一種のブランド名であるVeri-formは、整形外科医が軽量キャストに使用するオープンウィーブのプラスチックメッシュファブリックです。それは優れた鎧とマスクを作り、無毒で扱いやすいです。

野球帽を換気するために使用されるプラスチックの網は、破壊不可能で安価なクリノリンを作ります。エアコンやその他の種類のフォームをカットして彫刻することで、内部の俳優よりも背が高く幅の広い軽量のマスコットやその他の衣装の下部構造を形成できます。ボディスーツに包まれたバードシードは、たるんだ胸の動きをシミュレートするのに最適です。

過去20年間のこの分野での最も重要な進展は、間違いなく健康と安全の問題に対する意識の高まりでした。 1970年代には、デザイナーとコスチュームメーカーの両方が、リスクを理解せずに、毒性の高い塗料、溶剤、接着剤で布地を日常的に扱っていました。 21世紀には、毒性の少ない製品が入手可能であるだけでなく、製品安全データシート、呼吸器、スプレーブース、およびその他の保護装置が標準となっています。

素材は進化し続け、衣装デザインのスタイルは流行に左右されますが、原則は変わりません。ロバートエドモンドジョーンズが1941年に書いたように、「舞台衣装は劇場の創造物です。その品質は純粋に劇場的であり、劇場の外に持ち出されると、すぐに魔法を失います。根こそぎにされると植物が死ぬので死ぬ」（p.91）。

も参照してください 俳優と女優、ファッションへの影響;アートとファッション;バレエコスチューム;演劇メイク。

参考文献

ビーバー、マーガレット。 ギリシャとローマの劇場の歴史。 プリンストン、N.J。：プリンストン大学出版局、1961年。

チェイニー、シェルドン。 劇場：3000年の演劇、演技、舞台工芸。 ニューヨーク、ロンドン、トロント：Longmans、Green and Co.、1952年。

ガスコイン、バンバー。 ワールドシアター：図解された歴史。 ボストンとトロント：リトルブラウンアンドカンパニー、1968年。

ジョーンズ、ロバートエドモンド。 劇的な想像力。 ニューヨーク：シアターアーツ、1941年。

ジェームズレーバー。 劇場の衣装。 ニューヨーク：ヒル＆ワン、1965年。

モリナリ、チェザーレ。 時代を超えた劇場。 ニューヨーク：McGraw Hill Book Company、1975年。