日本の伝統的な衣装と装飾品

アジア本土の東海岸沖に位置する4つの主要な島々からなる群島である日本は、外部からの受け入れと家庭での豊かで洗練された物質文化の育成の両方の点で比較的後発でした。中国には現存する衣服、陶磁器の彫刻、墓の絵画などの十分な考古学的証拠があり、西暦が到来する前の数世紀にわたる中国の衣装の歴史の信頼できる見解を示していますが、日本の服装の検証可能な歴史は8世紀まで始まりません。 CE

日本の投機的な初期の歴史

先住民とは別に、日本は中国、韓国、

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• 東アジア：ドレスの歴史
• 伝統的なドレス

東南アジア、中央および北アジア、そしておそらくポリネシア。樹木や植物の内側の樹皮から天然繊維を加工し、バックストラップ織機で織り上げました。移民の結果として繊維技術は絶えず進歩し、おそらく3世紀までに絹の生産が確立されました。シルクは今でも伝統的な和服に選ばれる繊維です。

日本の考古学的記録は、西暦5世紀まで人間のイメージをほとんど生み出していませんでした。それ以前は、陶器の破片や青銅の鐘に見られる棒状の人物の表現は、腰にベルトが付いた長いチュニックのような衣服であるという仮説を可能にしました。ドレスの一般的な形だったかもしれません。

5世紀と6世紀には、大量の haniwa 、テラコッタの墓の彫刻は、重要な埋葬のために制作されました。男性の姿は、膝のすぐ上にネクタイで固定された長い管状の袖とだぶだぶのズボンで側面がフレアになっているタイトで体にぴったりのロングウエストのジャケットを着て描かれることがよくあります。そのような衣服は、アジア本土からの乗馬、遊牧民の草原の人々の実用的な摩耗を彷彿とさせます。騎手は、マウントをガイドするために腕と脚を完全に動かす必要があり、寒くて風にさらされた北の緯度で暖かさを保つために衣服にぴったりとフィットしました。ゆったりとした、広袖の、床の長さの中国のローブ、大陸の他の支配的なエリートモードのドレスは、この種の遊牧民の服のアンチテーゼでした。

典型的な女性 haniwa フィギュアはズボンではなく、メンズジャケットとスカートに似た上着を着ています。注意することが重要です haniwa ジャケットは、右のフロントパネルを左のパネルの上に配置する順序で固定される傾向があります。その後、ネクタイはジャケットの右側に固定されます。これは中国人によって野蛮な慣習と見なされ、そのローブは左右から左右に閉じられていました。日本の服装は、これとその後すぐに他の方法で中国のモードを模倣することでした。

それは疑わしい haniwa ドレスは5世紀から6世紀にかけて日本で普及しました。そのような服装は、日本の長い月の暖かくて湿度の高い天候には適さず、山岳地帯の日本では馬に乗った生活はありそうにありませんでした。現存する多数から判断すると haniwa 馬の姿、乗馬のエリートは、おそらくアジア本土からの侵入の後、この期間中に日本で定着した可能性がありますが、彼らの服装の方法は普及していませんでした。

あすかと奈良時代

552年は、日本における仏教の導入の公式の日付と見なされ、飛鳥時代（552-710）の最初の年でした。仏教は千年以上前にインドで始まり、西暦の初めまでに中国に広がり、ついに韓国を経由して日本に到達しました。仏教とともにもたらされた重要な文化的進歩の1つは、識字能力でした。日本人は表意文字に基づく中国語の書記体系を採用しました。

日本の先住民の宗教である神道は仏教と共存し、最も価値のある先住民の伝統を守り、最終的には外国の方法を独自の日本に変えるという日本の歴史の中で継続的なテーマを維持しました。

日本の仏教の服の歴史は、宗教の主要な儀式用の衣服であるパッチワークのマントルに具体化されています（ ケサ ）、インポートと適応のテーマを示しています。 ケサ 日本で最も古い現存する衣服の1つです。仏教の教えの物理的な現れとして、日本の土壌への宗教の移植を支援するために、アジア本土から例がもたらされました。後で、特定の ケサ 日本独自の方法で衣服のパラメーターの限界をテストしました。

日本の別の初期の衣装グループは、奈良時代（710-794）の途中の752年に完成した巨大な青銅の仏像を記念する公演や式典で使用されました。当時日本の首都であった奈良には、アジア各国の権威者たちが集まりました。これらの衣装は、初期のほとんどと一緒に ケサ 、正倉院として知られる有名な寺院の倉庫に保存されています。

正倉院のパフォーマンスウェアはほとんど左閉で、膝丈のノースリーブベストと長袖のフルレングスのローブの両方が含まれています。襟は細くて丸い、またはVネックで、フロントパネルは隣接または重なり合っています。織り模様または染め模様の形象装飾と幾何学的装飾の両方が、この多様な絹のローブのグループの豊かな遺産の一部です。レギンス、靴下、靴、エプロンなどのズボンやアクセサリーも含まれています。

正倉院の他の衣装には、職人が着るローブが含まれます。これは、上記の丸い襟のフルレングスのローブに似ていますが、シルクではなく麻です。幅広のフレアスリーブのローブ。そして古風な、右を閉じる haniwa スタイルの衣装。

正倉院の衣装は、当時使用されていたさまざまな種類のアジアのドレスを代表している可能性が高く、それらの多くは日本国外で製造された可能性があります。後の日本の伝統的な衣装では、これらの初期の服装のいくつかが能楽堂の衣装に反映されることになりました。

時代の資料によると、日本の宮廷の服装は当時の中国の服装に倣い、階級は色で示されていました。現代の絵画表現は、手を覆うのに十分な長さのボリュームのある袖を備えた、長く流れるローブの男性と女性の両方の廷臣を描いています。男性のドレスの特徴は、ぴったりとフィットする、狭くて丸い襟でしたが、女性のドレスは、左右の順序で重なる広いフロントパネルを特徴としていました。女性の法服にも、同じ方法で閉じた1つまたは複数のアンダーローブが含まれていました。

平安時代

京都は8世紀の終わりに新しい帝国の首都となり、長くて比較的平和な平安時代（794-1185）の始まりを示しました。日本の以前のアジア本土からの集中的な文化的吸収の期間に続いて、国内の発展と外国の方法の洗練がネイティブの感性と組み合わされました。

この時代の衣装の歴史は、生き残った例が非常に少ないため、現存する衣服に基づくことはできません。平安時代の服装の知識は、主に絵画表現、ワードローブの記録、そして世界文学で最も初期の2つの小説から得られています。 源氏物語 、紫式部レディ、そして ピローブック by Sei Shônagon.

小説は、宮廷の島の世界と、陰謀、詩、機知、ロマンス、そして非常に洗練された着こなしに満ちた日常生活を描いています。女性はシルクのローブを何層にも重ねて着ており、袖の端、襟、裾には個々のローブの端だけが露出しており、最も外側のローブが配色の全体的なトーンを設定しています。女性の好みと感性は、季節、機会、または一般的な気分に応じてアンサンブルのさまざまなローブを選択する際の色の組み合わせの選択によって示されました。ジャケット、スカートのようなズボンなどのその他の衣料品（ 袴 ）、そして後ろに着用したエプロンが女性のコートドレスを完成させました。

このアンサンブルで体に最も近いと思われるローブは、江戸時代（1603〜1868）の前身と考えられています。 kosode 構造と形状の面で。この最も内側の衣服は、手の開口部が狭い正方形または長方形の袖で構成された全体的なT字型でした。これらの袖は、ローブの本体を構成する長くまっすぐな長さの布に取り付けられています。比較的幅の広いフラットな襟と襟が、衣服の前面にあるボディパネルの内側の端に縫い付けられました。この衣料品は、現在の着物に適合しています。

平安時代の男性のドレスは、アジア本土からの影響の初期の時代を反映して、狭くて丸いチュニックのような襟を保持し、男性もスカートのようなズボンとアンダーローブを着用していました。袖の形は、正方形または長方形の形が支配的になるという点で以前の本土のモデルとは異なり、単一の袖は衣服の全身と同じくらいの幅になる可能性があります。そのようなローブを着ていると、袖の端で縫い付けられていなかった袖の底が実際に地面を一掃することができました。

家紋が最初に衣服に現れたと考えられているのもこの時期です。平安時代の衣装のいくつかは、宮廷服、宗教衣装、能楽堂の衣装に見られるように、今日まで続いています。

Kamakura Period

12世紀後半、日本の権力の基盤は、ますます退廃的な京都の自制心のある宮廷から、鎌倉の町を本部として選んだ地方の軍の氏族に移りました。鎌倉時代（1185-1333）の現存する衣服はほとんどなく、時代の文学は衣装に関してあまり豊富ではありません。しかし、細部にまでこだわった生き残った絵画は、当時のドレスのアイデアを与えてくれます。

誇張された多層構造による女性の衣服の邪魔は少なく、一部の女性の外衣には大規模な染色パターンが見られます。パターン染めのデザインは、後の日本のドレスで最も重要な創造的な表現の1つになるはずでした。紳士服のオリジナリティの表現も、特大のモチーフを使用し、まったく異なる2つのローブのピースをつなぎ合わせて、驚くべき新しいコスチュームを作成することで明らかになり始めました。これまで日本では知られていなかった仏教宗派（禅など）がアジア本土から導入され、その結果、 ケサ 他の方法では日本人が利用できない特定の豪華な種類の織物から作られています。ついさっき ケサ 全体として、見た目はもっと謙虚でした。

Nambokuchô, Muromachi and Momoyama Periods

京都の帝国都市は、南北朝時代（1333-1392）の到来とともに再び首都になりました。この時代は、ライバルの軍の氏族間の衝突によって特徴づけられました。その後の室町時代（1392-1568）も戦争は続いた。鎌倉時代の到来以来、皇室は名前だけで支配していました。将軍は、最高の軍事力として、真の力を行使しました。

文化的な問題に関しては、宮廷は先駆者ではなくなりました。軍隊のエリートメンバーと高位の僧侶は、新しく設立された非常に審美的な茶道の主要な開業医でした。将軍足利義満（1358-1408）は能楽堂の最初の重要な後援者でした。

能楽堂の衣装は、21世紀初頭まで多種多様な種類で存在し続けました。すべて男性の演劇形式の最初の数世紀の間、俳優はエリートの常連客のワードローブから寄贈された衣服を着ていました。江戸時代（1603〜1868）まで、舞台用の衣装は作られていませんでした。しかし、ほとんどの場合、衣装のスタイルは変更されず、以前の時代の服を反映し続けました。

呼ばれるローブなしの広いカテゴリー内 ôsode 、両端が縫い付けられていない背の高い幅広の袖を指す用語は、宮廷の儀式や神道の儀式など、日本の生活の中で最も保守的で伝統的な領域を除いて、日本で廃止されてから長い間特定の種類のローブです。

多くの場合、絹の糸と一緒に、平らで金色の細い紙片の形の金の糸を利用します。 ôsode 衣装は常に織りのデザインを持っています。これらのデザインは、スケールと構成が非常に大胆である可能性がありますが、色はより控えめで、通常はシルクの1色に制限されています。能楽堂はスカートのようなズボンも保存しています（ 袴 ）以前の、そして衣装の層状の着用、 ôsode ローブは通常、アウターローブとして着用されます。

コスチュームなしのもう1つの主要なカテゴリは、袖の高さと幅が ôsode 袖。袖も、のように直角ではなく、一番下の外縁が丸みを帯びています。 ôsode 。袖の端は縫い付けられており、手が通過するのに十分な開口部があります。コスチュームなしのこの一般的なカテゴリの名前は kosode 。同じ用語は、平安時代に皮膚の隣とボリュームのある衣服の層の下に着用された無地の絹のローブに使用されていました。

室町時代、 kosode 文字通り許容できるアウターとして登場しました。以前はプライベートな親密な着用であったものが、国内のインテリアの外で許可されるようになりました。この形のドレスは、変化するファッションやスタイルを表現するための主要な手段となりました。

江戸時代、ほとんど kosode -カテゴリーの衣装は、室町時代と桃山時代のスタイルを今も維持しています。古風なスタイルは、重くて華やかな錦織の生地の使用、大規模な金メッキ、2つのまったく異なる種類の生地を1つのローブにつなぎ合わせること、ローブの肩と裾にデザインモチーフを集中させる空の中心の構成が含まれていました。しかし、そのような衣装は江戸時代の傾向に応じて全体的な袖の形を長方形から角張ったものに変えました、そして刺繍されたデザインの特定のノーローブは時々現代のファッションスタイルに影響されました。

室町時代後半までさかのぼる衣装はありません。 21世紀初頭にはまだローブは作られておらず、現代の生産者の中には伝統的な手織りと自然染色技術を利用したものもありました。

いいえの悲劇と憂鬱からコミックリリーフを提供する目的で、 狂言 演劇は伝統的に演劇なしと一緒に演じられました。コスチューム 狂言 下級のドレスを反映し、絹ではなく靭皮繊維（通常は麻またはラミー）でできており、金の糸や金メッキを使用せず、染色によってパターン化されています-織り、刺繡、または金メッキのデザインのローブはありません。現存の 狂言 衣装は江戸時代以前のものではありません。

1540年代、最初のヨーロッパ人が日本に到着したとき、日本は長引く内戦の真っ只中にありました。激動の時代と外国の影響の新しい波のこの組み合わせは、サムライクラスのドレスのいくつかの驚くべき例の作成につながりました。洋風の仕立てと、新しく輸入されたヨーロッパのウールの布、インドの綿の更紗、さらにはペルシャのシルクのタペストリーの「エキゾチック」な生地が、現存するいくつかの場所で見られます。 陣羽織 （鎧の上に着用するベストの一種）。

男性のドレスのさらなる創造性は、いくつかの短いで明らかです kosode 形の衣服（ dôfuku ）16世紀の主要な軍人に関連付けられています。これらのローブは、型にはまらないモチーフと驚くべき色の組み合わせを示しています。

江戸時代

3人の歴代の軍事指導者が戦争で荒廃した日本の統一者として現れることになっていた。三人の最後の徳川家康によって、ようやく永続的な平和が確立されました。江戸（後に東京）に新しい首都が設立され、その後の将軍はすべて、宮廷が京都に残っている間、江戸からの徳川氏の支配によって供給されました。日本は孤立期に入り、その間、キリスト教の新しい宗教は抑圧され、日本への往復旅行は禁止され、外国貿易は厳しく管理されました。

武士階級では保守的な服装が当たり前になりました。男性のフォーマルウェアは、翼のような肩と伝統的な短いベストで構成されていました 袴 、両方の衣服は、小さな繰り返しモチーフでパターン化され、常に青に染められた靭皮繊維から作られています。武士はこれ以上戦う戦争はありませんでしたが、鎧とそれに関連するベストは作られ続けました。ベストの創造的な例はまだ生産されていましたが、侍はダンディのような服装をするように勧められていませんでした。

江戸時代のドレスの最大の創造性は、 kosode 。この衣服をそのようなファッションに敏感な形のドレスに変えるための推進力の多くは、それにもかかわらず、社会的階層の最下位にあった、新しく豊かな商人階級から来ました。

能楽堂は上流階級の保護区でしたが、歌舞伎演劇は成金商人のパフォーマンスアートでした。ほとんどの歌舞伎の衣装は標準的なT字型です kosode; しかし、それらの色は派手な傾向があり、それらのデザインモチーフはスケールが圧倒的である可能性があります。たとえば、巨大なアカザエビがローブの後ろ全体を覆っている場合があります。

一流の歌舞伎俳優（これもすべて男性の演劇形式）は非常に人気があり、彼らの顔とドレスは無数の木版画で広められました。しかし、彼らのコスチュームは、特定の色合いや特定のモチーフを普及させる以外に、ファッションに影響を与えるにはあまりにも風変わりである傾向がありました。 20世紀初頭の歌舞伎の衣装は、江戸時代の衣装に似ていました。

仏教の聖職者は社会的規模で上位にランクされ、徳川政府の下で行政権と公的支援を与えられ、彼らが一般的な繁栄を分かち合うことを可能にしました。で見られる最も珍しい傾向 ケサ パッチワークの衣服は絵画的な衝動であり、風景の中で鳥や動物、神々の集まり、さらにはフラワーアレンジメントなどの物語の表象的なイメージで例が織られたり、刺されたり、描かれたりしました。パッチワークの伝統へのトークンの順守を満たすために使用される2つの方法は、つなぎ合わせた構造の印象を作成するために、コードのステッチまたは衣服への線の描画を含みました。として ケサ は平らで幅が広く、横向きで、通常は長方形の衣服です。この新しいスタイルの表面デザインのインスピレーションは、江戸時代に広く使用されていた幅広の塗装スクリーンであった可能性が非常に高いです。

ザ・ ケサ また、一般の仏教徒が貴重な衣服を寺院に寄付する習慣の結果として、より間接的な方法でファッショナブルな味を反映しました。衣服は縫い目がなく、切り刻まれ、仏教のローブに作り直されます。その他 ケサ 日本の織物産業がこの時までに高級織物の織りに必要な外国の技術と技術を吸収していたように、国内で織られていた豊富な錦織から組み立てられました。

の贅沢な傾向 ケサ 少なくとも1つの仏教宗派を率いて、靭皮繊維に厳格で単色のパターン化されていない祭服を作りました。新しい革新的なスタイルはありませんでしたが、 ケサ -2000年代初頭-江戸時代の例に見られるすべての多様性を反映しました。しかし、西洋の21世紀初頭のテキスタイルアーティストの何人かは、伝統的な形の ケサ。

Meiji Period

日本は、高度な軍事技術を備えた西側諸国が貿易譲歩を要求した1850年代に孤立を終わらせることを余儀なくされました。徳川幕府は崩壊し、権力は皇室に移り、1868年に宮廷を東京に移し、明治（1868-1912）という新しい時代を宣言しました。もう一度、日本人はより先進国と歩調を合わせる必要性を認識し、急速な西洋化の政策に着手しました。

洋服が採用され、皇帝と皇后両陛下は時折洋服を着ることで全国の模範を示す手助けをしました。仏教徒とエリート侍の家族は大量の売り切れました ケサ 衣装はなく、最終的には日本と西洋の美術館や個人のコレクションを豊かにします。より洗練された都会の人々、特に男性にとって、伝統的な民族衣装は、最終的に仏教寺院や僧院に追いやられるまで、日常着の一部ではなくなりました。神社;番号、 狂言 、歌舞伎劇場;茶道やフラワーアレンジメントなどの他の伝統芸術。と宮廷。 21世紀初頭にまだ日本の機関であった芸者は、着物を楽しむことが期待されていました。

2000年代初頭、成人式、卒業式、結婚式などの通過儀礼は、一般の人々が伝統的な衣装を着る機会となっています。日本の家族は、国や地域の特別な祭りに参加したり、伝統的な旅館で入浴した後にリラックスしたりするときに着物を着ることもあります。日本の主婦が着物とその最も重要なアクセサリーである帯を選び、適切に着る方法をよりよく理解するために着物学校に通うことは珍しくありませんでした。

明治時代には、日本の古い服装を区別するために用語が造られました（ wafuku ）新しく採用された洋服から（ yofuku ）。着物（着るという動詞と「もの」という言葉から派生）は、以前は「もの」として知られていたT字型の衣服の新しい用語になりました。 kosode 。この言葉は世界中の言語の辞書に登場し、「サリー」が時代を超越したインドの衣服として広く認識されているように、一般的に日本の民族衣装の呼称として機能します。

大正初期（1912-1926）と大正後期（1926-1989）の間に、 mingei 運動は、特に農民や少数民族によって実践されているように、日本の民芸品を保存し、永続させることを目的として、芸術家や知識人によって設立されました。のアイデアを擁護した人々 mingei アーツアンドクラフツ運動の東アジアの継承者と考えることができますが、伝統的な日本の美術品と装飾品の区別が強調されていなかったため、西洋の前任者のように手工芸品の重要性を主張する必要はありませんでした。しかし、日本社会の周辺でシンプルな田舎の人々やマイノリティーによって作られた手作りの作品の高さは、日本の社会階層の従来の考え方に適合していませんでした。

によって収集され、研究された衣装の例 mingei 愛好家には、先住民族のアイヌ族の靭皮繊維と綿のローブ、沖縄の特別に染められた衣装、厚く縫い付けられた農民のジャケット、漁師と消防士の衣服が含まれます。

も参照してください 着物;日本のファッション。

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